Entrevista con Nicholas Ozeki, director y guionista de MAMITAS
Texto: Sergio Burstein
“Mamitas”, que se estrena hoy en cinco salas de Los Angeles [ir aquí para ver la lista completa], es un drama especialmente realista sobre la relación entre dos adolescentes latinos de la zona de Echo Park, ubicada en esta misma ciudad. Y lo más interesante de todo es que su director y guionista no le pertenece a nuestra comunidad, sino a lo japonesa-americana.
Se trata de Nicholas Ozeki, un joven realizador que debuta con este título en la dirección de largometrajes, pero que ya había hechos antes algunos cortos (de hecho, “Mamitas” es la expansión de uno de ellos) y que, además de haber estudiado cine, lo enseña ahora en una escuela profesional. Con este trabajo, el cineasta se suma de manera quizás involuntaria al legado de otros directores estadounidenses no latinos que han venido presentando retratos particularmente logrados de los hispanos, como Cary Fukunaga (“Sin nombre”) y Chris Weitz (“A Better Life”).
En la película, E.J. Bonilla interpreta a Jordin, un muchacho inteligente y carismático -pero extremadamente rebelde- que es suspendido de la escuela debido a su mala actitud, lo que le permite conocer a Felipa (Verónica Díaz Carranza), una chica de la misma zona que se encuentra muy lejos de tener ese nivel popularidad. El encuentro entre los dos le dará al espectador la oportunidad de conocer detalles de sus vidas personales y familiares que tienen mucho que ver con sus conductas, sus ambiciones y sus decepciones.
MANGANZON se contactó telefónicamente con Ozeki para preguntarle por su formación, el modo en el que logró desarrollar el proyecto, su trabajo con estos jóvenes actores y con el gran Pedro Armendáriz Jr. (quien interpreta al abuelo de Jordin) y, por supuesto, para saber por qué decidió debutar con una película sobre latinos cuando él proviene de otra cultura.
Nicholas, tienes antepasados japoneses, creciste entre Washington DC ,Tokio y Massachusetts, y ahora mismo estás estrenando una cinta sobre la comunidad latina de Los Angeles. ¿Cómo llegaste a esto?
La verdad es que mi propia familia es multicultural, porque mi madre es blanca y mi padre japonés. Desde que empecé a hacer cortometrajes en la escuela, me interesó presentar historias que resultaran diversas desde un punto de vista étnico y en relación a su reparto. Me parece muy importante colocar en papeles principales a los miembros de las minorías. Cuando llegó el momento de hacer mi trabajo de tesis, estaba ya convencido de que quería que se tratara de una historia de crecimiento en medio de una comunidad de este tipo, y cuando me mudé a L.A., en el 2004, el contacto que tuve con la sociedad méxico-americana me llevó a elegirla como base para el guión. Viví primero en Anaheim, donde estaba la escuela de cine, y descubrí allí a una gran población hispana; y después de eso, en el 2006, me fui a Los Angeles.
¿No hay personas en tu familia que se han molestado porque no elegiste una historia de japoneses-americanos?
[risas] Mi padre me ha empujado siempre para que haga una película relacionada de algún modo a Japón. Es algo que probablemente haré en algún momento, pero el hecho de vivir en L.A. y de pasear por sus calles me puso en contacto con una realidad distinta, llena de mezclas raciales que definen ahora lo que es esta parte del país, y me parecía necesario centrarme en ese grupo demográfico. Además, el mensaje detrás de todo esto es que queríamos ofrecer una representación positiva de la misma comunidad, a diferencia de lo que se hace casi siempre.
¿Por qué elegiste a Echo Park como locación de la historia?
En realidad, filmamos en varias zonas de L.A., porque nos interesaba encontrar locaciones orgánicas en las que los personajes lucieran de modo natural. Eso nos llevó a hacer una extensa búsqueda que terminó plasmándose en los lugares que se ven en la película, y que nos parecían los más apropiados para su contenido.
No eres sólo el director de esta película, sino también el escritor de la misma. ¿Cómo lograste hacer un guión tan fiel a una comunidad que para ti era extraña?
Cuando eres un cineasta, tienes que estar atento a lo que pasa con los humanos que te rodean, así como a las cosas que te ocurren. Cuando vivía en Anaheim, me hice amigo de mis vecinos y me fijaba en sus dinámicas familiares, que en realidad no son muy distintas a las de otros estadounidenses. Creo que el sentido de autenticidad de la película se desarrolló realmente a través del trabajo con los actores, a los que consultaba cada vez que tenía alguna idea sobre un aspecto cultural o expresivo.
Los protagonistas tienen conflictos que se relacionan a sus familias disfuncionales. Parece que tu vida por ese lado ha ido bastante bien, por lo que no sé cuál fue tu inspiración para ese aspecto…
Vengo de una familia de clase media que permaneció siempre unida, pero creo que todo el mundo tiene problemas de este tipo en algún momento, sin importar el estrato económico del que haya salido. En ese sentido, me parece que la historia que presento puede resultarle cercana incluso a quienes no estén familiarizados con la comunidad hispana.
También parece que quisiste encontrar las razones por las que algunos de tus personajes actúan a veces de manera incorrecta, en lugar de presentarlos como seres irracionales.
Quise hacer un retrato realista de los méxico-americanos de segunda y tercera generación, que tienen que lidiar por ejemplo con el sistema educativo público. Creo que Jordan es una buena representación de un chico así, porque no se enfrenta a las pandillas ni a los problemas de inmigración, sino a otra clase de situaciones que también se dan en ese mundo.
Hay una escena en la que el personaje de Armendáriz Jr. menciona a Pedro Infante, lo que conduce a que su nieto cante una canción de éste. ¿Estaba ya eso en tu guión, o lo añadiste por recomendación de algún actor?
Claro, porque había que hacer que E.J. se aprendiera la letra de la canción. Infante es bastante conocido por los que saben de cine, ya que fue una estrella mayor durante la gran era de las películas de estudio. Pero me gustaba la idea de emplearlo para introducir en la película un aspecto histórico que llega además como parte de la sabiduría del abuelo, y espero que las viejas generaciones aprecien el detalle.
Aparte de esa referencia, tienes en la película a otra leyenda mexicana, recientemente fallecida: el actor Pedro Armendáriz Jr. ¿Cómo fue trabajar con él y cómo lo conseguiste, siendo que éste era un proyecto de muy bajo presupuesto?
Pedro era una de las personas con los pies más pegados a la tierra que jamás haya conocido, a pesar de su reputación y de su impresionante carrera. Entendió perfectamente las limitaciones del cine independiente y no se comportó nunca como una estrella. Creo que, a esas alturas de su carrera, quería hacer películas con las que realmente se conectara. Cuando le mandé el guión a México, me dijo que le encantaba el personaje y que quería interpretarlo. Creo que es una clase de rol que no se le ofrecía frecuentemente. Lo trasladamos dos veces en avión desde allá para que filmara sus escenas, porque tenía otros compromisos en su país.
No podemos dejar de lado a los chicos protagonistas, E.J. Bonilla y Verónica Díaz Carranza.
Vi por primera vez a E.J. en una película que se presentó en Sundance, “Don’t Let Me Drown”, y me gustó el hecho de que fuera un joven talento latino con un rostro fresco. Por suerte, él aceptó de inmediato nuestra propuesta; y me alegra mucho que lo hiciera, porque le dio un gran carisma al personaje. Para el papel de Felipa, hicimos audiciones a lo largo de dos semanas, y Verónica fue quien mejor lo hizo. Me parece que es una actriz muy fuerte, y me imagino que tendrá también un futuro muy brillante.
La película tiene un estilo visual bastante interesante; ¿cuáles fueron sus mayores influencias fílmicas?
Me encanta “Y tu mamá también”, por lo que usé mucha cámara en mano y traté también de recorrer frecuentemente los lugares en los que se desarrollaba la acción, casi como si se tratara de un documental. Todo esto apuntaba a dar un sentido de realismo que buscaba meter al espectador en las situaciones mostradas, aunque cerca del final de la película, decidí usar movimientos de cámara más suaves, para darle un balance a la película y para representar el modo en el que los personajes cambian y completan un ciclo. De todos modos, la cámara en mano resultaba muy funcional para el formato de Super 16 mm que empleamos, y que nos permitía tanto hacer las tomas de manera rápida como sumergirnos en los distintos ambientes.
¿Tienes algunos directores favoritos?
De los contemporáneos, el que más me gusta es P.T. Anderson [“There Will Be Blood”, “Magnolia’], porque su trabajo ha ido haciéndose cada vez mejor. No creo que esté tratando de imitarlo en ningún sentido, pero lo respeto mucho, como lo hago también con los hermanos Coen, a quienes tampoco pretendo emular.
Sé que esta película se presentó por primera vez en el LA Film Fest del 2011, hace casi un año, y recién logras estrenarlo ahora. La distribución de este tipo de trabajos es un proceso complicado, ¿verdad?
El festival nos permitió llamar la atención de muchos distribuidores, y a pesar del tiempo transcurrido, debo decir que me siento afortunado de tener esta oportunidad, porque muchas películas se lanzan directamente en DVD o a través del cable. La estamos sacando de manera limitada para probar el terreno, por lo que este fin de semana será esencial para saber si podemos extenderla a otras ciudades del país. El hecho de que se dirija a una audiencia latina nos ha ayudado, porque todo el mundo sabe que esta comunidad constituye un enorme porcentaje del número de espectadores, y lo más importante es que nuestra visión de ésta es positiva. Tenemos mucha suerte de que no se nos haya relegado a las salas de arte y que hayamos sido aceptados por salas comerciales, como AMC y Regal.
¿Ya tienes algo nuevo entre manos?
Sí, pero todo depende de los resultados de “Mamitas”. De cualquier manera, quiero seguir dirigiendo películas enfocadas en los personajes y con un mensaje emocional fuerte. Lo que quiero hacer ahora es un thriller de acción, que marcaría una gran diferencia de género, pero intentaría mantener la misma honestidad y la misma conexión con el espectador y, en la medida de lo posible, contaría con un reparto multiracial.
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