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Oct
03

Entrevista con Tim Burton, director y productor de FRANKENWEENIE

Escrito por Sergio Burstein

Texto: Sergio Burstein

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Todos los admiradores del gran Tim Burton saben que Frankenweenie fue el trabajo que lo dio a conocer como un brillante artífice de historias fantásticas cargadas de elementos góticos y de alusiones al género de terror, pero usualmente desarrolladas sobre la base de relatos apropiados para todas las edades y con mensajes de solidaridad y ternura.

“Frankenweenie”, que se estrenó en 1984, contaba la historia de un niño que decidía emprender un experimento científico para devolverle la vida a su perro, muerto en trágicas circunstancias (es decir, un atropello intempestivo al lado de un campo de béisbol). La sesión de resurrección estaba evidentemente inspirada en la escena extraída de la afamada novela “Frankenstein”, de Mary Shelley, y reinterpretada a nivel cinematográfico por las memorables producciones de Universal y la Hammer.

FW1El corto fue dirigido por Burton mientras trabajaba con la compañía Disney y, aunque el paso del tiempo lo ha convertido en un título de auténtico culto, los incautos ejecutivos de la empresa en esa época lo consideraron demasiado tétrico para los niños a los que estaba destinado, por lo que decidieron despedir al realizador. Sin embargo, las cualidades del trabajo fueron afortunadamente apreciadas por el comediante Paul Reubens, quien contrató al desempleado para que pusiera al mando del largometraje “Pee-wee’s Big Adventure” (1985).

Este fue el inicio de una meteórica carrera que nos brindó cintas tan emblemáticas como “Beetlejuice” (1988), “Batman” (1989), “Edward Scissorhands” (1990), “Ed Wood” (1994) y  “Mars Attacks!” (1996). Según algunos, el nivel decayó desde inicios de los 2000s, aunque ya para entonces, Burton se había convertido en una figura mítica que no había olvidado a su vieja creación, como lo demostró el hecho de que, a partir del 2005, comenzó a tramar una versión larga de “Frankenweenie” que recién pudo a llevar a buen puerto este año, con la ayuda del celebrado guionista John August (“Big Fish”, “Corpse Bride”, “The Nines”).

Durante el día de prensa de la cinta en el hotel de Disney de Anaheim, al que fue invitado MANGANZON, tuvimos la oportunidad de conversar con el talentoso director y productor sobre el proceso de filmación del trabajo, las influencias que manejó, el modo en que extendió la historia original, las dificultades de hacerla cuadro por cuadro y lo que representó para él reunir a un reparto de voces tan notable.

Esta es una película llena de tributos, basada en un cortometraje que estaba basado a su vez en la historia de “Frankenstein”, pero que era un trabajo de acción real, a diferencia de este cinta, que fue animada con la técnica del cuadro por cuadro, lo que lo relaciona curiosamente con “Vincent”, que fue tu primer corto y se hizo así.

Cuando hice el corto original, lo hice inspirándome en sentimientos reales que tuve de niño con mi perro, y los mezclé con elementos provenientes de las películas de “Frankenstein”; pero, con el paso de los años, me puse a observar más los diseños originales, después de trabajar con el cuadro por cuadro por un buen tiempo [como productor en “The Nightmare Before Christmas” y “Corpse Bride”], y empecé a retomar ciertos recuerdos sobre esa época, acerca de otros chicos y maestros de la escuela que tenían sus rarezas, a los que les sumé otras películas de monstruos.

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Tras pensar mucho en ello, me empezó a gustar más y más la idea de hacer [esta película] con dicha técnica, en blanco y negro y en 3D, lo que haría que se sintiera como un proyecto completamente distinto. Las referencias son muchas, pero  hay mucha gente que no las conoce, y traté de asegurarme de que nadie tuviera que estar familiarizado con ellas para disfrutar del filme.

¿Pensaste en algún momento en hacerlo de otro?

No; tenía que ser cuadro por cuadro y en blanco y negro. ¿Por qué? ¡Porque sí! [risas]. El blanco y negro era ya parte de ello; es difícil ponerlo en palabras, pero para mí, lo hace más emotivo, más apropiado. Estaba tan decidido a hacerlo así que si el estudio me hubiera exigido que fuera a colores, no lo habría hecho.

Traté de personalizar todo, incluyendo los ambientes físicos, porque se relacionan con Burbank [la ciudad californiana en la que creció], el parque que yo visitaba y hasta la casa en la que vivía. No es algo que haga normalmente, pero en este caso era necesario, porque [la historia] se encontraba muy íntimamente ligada a mis recuerdos. Mi perro no lucía como éste, pero traté de reproducir las sensaciones que generaba en mí, porque ése fue justamente el origen del trabajo.

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Y te costó realmente hacerlo, porque sabemos que, además de lo trabajoso que es filmar cuadro por cuadro, arrastraste el proyecto por muchos años…

Cada vez que alguien nos dejaba para trabajar con Pixar u otra compañía, teníamos que empezar de nuevo desde cero, por lo que había que encontrar el equipo correcto. Tampoco quería tomar simplemente el corto y a alargarlo, y debido al empleo de tantas técnicas y estilos distintos, se trataba de algo que iba a tomar definitivamente tiempo.

¿Cómo ha cambiado el proceso del cuadro por cuadro para ti en relación a las películas que has hecho empleándolo?

Algunas tecnologías lo han hecho un poco más fácil, en términos de cámaras digitales y registro, pero hay algo básico que no puede cambiar, porque hay que tomar una marioneta y moverla 24 veces para obtener un segundo de película. Eso es algo que se remonta al  inicio del cine y que sigue siendo muy complicado, pero que es la vez la razón por la que a la gente le gusta hacerlo. Se trata de una vieja artimaña que es muy táctil, muy tangible, en las que las nuevas técnicas no se pueden meter demasiado.

Además de ser ‘raros’, como ya lo has dicho, muchos de los personajes de la cinta tienen acentos extranjeros que no llevaban en el corto. ¿Se trató acaso de un reconocimiento a la  diversidad cultural y étnica que se vive actualmente en California?

Tiene que ver con lo de los tributos, porque están [ahí los personajes que remiten al actor húngaro] Peter Lorrie y a [el británico] Boris Karloff, así como el que alude a las películas japonesas de ciencia-ficción. Pero, a la vez, todos estos chicos están inspirados en personas que conocí; hubo definitivamente en mi vida una “chica rara” [como el personaje de Weird Girl], y recuerdo también ese tipo de rivalidad [que se presenta], así como la separación entre grupos y la presencia de matones. Burbank era un suburbio muy de clase media, y habían allí varias nacionalidades, aunque no tantas como las que se ven ahora.

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Victor es un chico solitario, pero termina ganándose el respeto de sus compañeros.

Ésa fue una dinámica interesante; es algo que puedes decir de casi todos los niños, pero yo crecí sintiendo que estaba solo y que nadie me comprendía. Pero recuerdo también haberme sentido bastante normal, no como un ‘raro’. Victor tiene sus cosas, pero, en cierto sentido, es el más normal de todos, al menos para mí, lo que refleja la dualidad de esos sentimientos.

¿Puedes hablar sobre el reparto de voces?

Martin Short y Catherine O’Hara son brillantes, y no había trabajado con ellos en mucho tiempo. La próxima vez que los llame, los voy a meter a la cabina de grabación sin guión, porque en una sola sesión hicieron tres voces distintas; era algo medio psicótico. Conocía a Winona [Ryder] desde hace tiempo, claro, y me sirvió para representar una realidad más simple, porque ella todavía suena como lo hacía cuando tenía 10 años [risas]. No había hecho todavía nada con Charlie [Tahan, la voz de Victor] y con los niños; recuerdo que necesitaba una gravedad determinada para el personaje, como si fuera de una película de acción real, y él lo logró. Fue divertido mezclar a niños y adultos [en la interpretación de voces de distintas edades]; a veces no funciona, pero por alguna razón, creo que esta vez salió bien.

¿Ves esto como un ‘remake’?

Refrito, ‘remake’… lo que quieras decir [“¿Versión diferente?”, insinuamos]. Una versión diferente; eso es [risas]. Cuando tienes a tanta gente trabajando contigo, desde los animadores hasta los que hacen las voces, pasando por el trabajo de fotografía, cualquier proyecto se transforma en algo singular. Siento que todos nos pusimos en la misma página y que estábamos trabajando para una causa en común, lo que es muy valioso, porque cuando lidias con artistas, obtienes cosas que te gustan pero que no van necesariamente con las intenciones originales, mientras que aquí todo salió como se esperaba.

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