Reseñas de cine

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Dic
20

{Análisis} Los 65 años de STEVEN SPIELBERG (una revisión completa de sus películas)

Escrito por Sergio Burstein

Texto: Sergio Burstein

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Steven Spielberg cumplió ayer 65 años, pero los celebrará en grande esta semana, cuando se estrenen en las salas nacionales dos películas de su cosecha: The Adventures of Tintin (el miércoles 21) y War Horse (el domingo 25). Se trata de una estrategia especialmente atípica para él, sobre todo si se considera que es un prolífico productor, pero que no dirige con tanta frecuencia (su última cinta en dicho puesto fue “Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull”, del 2007).

A pesar de que algunos lo consideran un realizador eminente comercial y por ello bastante complaciente, nadie puede poner en duda que se trata de unos de los cineastas estadounidenses más importantes de todos los tiempos, y que todas sus películas se encuentran impecablemente filmadas, incluso las que le sirvieron para iniciar su carrera, en las que exhibía ya esas fabulosas dotes para la planificación visual y para los ángulos excitantes que se han vuelto un emblema de su escuela.

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Spielberg marcó fuertemente el cine de los últimos 70s y de todos los 80s, combinando las posibilidades otorgadas por las nuevas tecnologías con un sentido cinematográfico eminentemente clásico. Se trata además de uno de los creadores de ciencia-ficción más aclamados sobre el planeta, aunque ha incursionado con fortuna en géneros de lo más diversos (lo único que le ha faltado realmente hacer es una comedia abierta y directa, sin que ello implique que no haya empleado a veces el humor de manera generosa, como lo notarán particularmente cuando vean “The Adventures of Tintin”).

El buen oficio de Spielberg no es fortuito. De hecho, se interesó en el cine desde muy chico, y lo demostró de manera tan práctica como espectacular: a los 12 años, cuando era un 'boy scout', hizo un western de 9 minutos con la cámara de 8 mm de su padre (un judío ortodoxo que trabajaba como ingeniero eléctrico), y un año después, hizo un mediometraje bélico de 40 minutos que ganó un premio. Al cumplir los 16 ya tenía listo su primer largo, “Firelight”, una cinta de ciencia-ficción de 140 minutos que inspiraría luego a “Close Encounters of the Third Kind”.

Intentó dos veces ganar acceso al reputado programa de cine y teatro de la Universidad del Sur de California, pero falló en el intento, por lo que terminó en la Universidad Estatal de Long Beach. El verdadero despegue de su carrera se dio cuando era un ‘intern’ (practicante) sin paga de los Estudios Universal; fue allí donde hizo un cortometraje titulado “Amblin” (1968) que llamó tanto la atención de los ejecutivos de la casa que le ofrecieron inmediatamente un contrato de realización.

Lo que sigue es un análisis cronológico del trabajo profesional que se dirigió a continuación, con datos concisos sobre sus largometrajes más notables y las impresiones que nos dejaron:

duel1“Duel” (1971): Este es el debut oficial de Spielberg en las grandes ligas de la dirección, y aunque se hizo para la televisión, muestra ya claramente la impronta de su distintivo estilo cinematográfico. Su escasa línea argumental (trata sobre un conductor que es perseguido implacablemente por un misterioso camión) lo transforma en una especie de ejercicio de aventuras que presagia el nacimiento de un verdadero talento tras las cámaras. Se filmó en 13 días y, debido a su éxito en la pantalla chica, los productores hicieron que Spielberg rodara escenas adicionales para una versión que se pudiera mostrar en las salas (la original duraba sólo 74 minutos).

jaws1“Jaws” (1975): Pese a los buenos resultados de sus dos primeros títulos (luego de “Duel”, hizo “Sugarland Express”, un drama sobre una pareja de prófugos que recibió comentarios más que decentes), nadie estaba realmente preparado para la contundencia de este trabajo, que sigue siendo considerado no sólo como una película esencial en el género del terror, sino también como una obra elemental en la historia del cine. Si se la ve actualmente, se notará lo precario de unos efectos especiales que no resultan realmente verosímiles en medio de la era digital, pero que no le han quitado una pizca de brillo a la generación de un sentido del suspenso pocas veces logrado en cintas semejantes, debido a que, en consonancia con las lecciones aprendidas de Hitchcock, Spielberg obtenía más tensión en las escenas en las que no mostraba a su criatura mecánica, sino que la insinuaba. Esta cinta fue también decisiva por el modo en el que le dio importancia al desarrollo de los personajes, incluso en medio de una situación extrema o fantástica, como lo probaba sobre todo el confundido pero valiente jefe de la policía encarnado por Roy Scheider (que en paz -y no en pez- descanse). No hay que olvidar, por supuesto, la célebre banda sonora de John Williams, construida sobre la base de dos notas.

close1“Close Encounters of the Third Kind” (1977): A diferencia de sus títulos anteriores, éste es el primer producto completamente ‘spielbergiano’, porque el hombre no sólo lo dirigió, sino que también lo escribió. Nuevamente, sus efectos especiales (que costaron más de 3 millones de dólares, una cifra astronómica para la época, y que incluyeron el uso de marionetas) lucen chapuceros a la vista de lo que se puede hacer hoy en día, aunque la escena final en la que “nave madre” alza vuelo nos sigue pareciendo absolutamente deslumbrante. Luego de su estreno, “Close Encounters” se convirtió rápidamente en una de las obras esenciales de la ciencia-ficción cinematográfica, apoyada por un efectivo relato en el que un padre de familia (Richard Dreyfuss) se ve involuntariamente enfrentado a una misión secreta del gobierno para encubrir la llegada de extraterrestres a la Tierra. Después de esto, Spielberg hizo “1941” (1979), una suerte de comedia histórica -sobre una ola de pánico desatada en la ciudad de Los Angeles tras el ataque a Pearl Harbor- que no fue muy bien recibida.

Raiders-of-the-Lost-Ark-indiana-jones-3677988-1280-720-1Raiders of the Lost Ark (1981): Esta es una de las viejas cintas de Spielberg que ha resistido con mejor suerte el paso del tiempo, debido sobre todo a que, incluso en su momento de producción, era un tributo a las viejas cintas de aventuras. Esta circunstancia le brindó un aire especialmente atemporal (a excepción de la secuencia final, en la que se abre el arca y los nazis son destruidos sin misericordia). Cargada de un sentido de la diversión que le debe mucho al humor seco pero expresivo de Harrison Ford (quien acababa de convertirse en una estrella gracias a la serie de “Star Wars”), pero también a sus estupendas escenas de persecución, “Raiders” es una obra que conjuga de manera ideal los talentos de Spielberg y los de su productor, un ‘desconocido’ que llevaba el nombre de George Lucas. Fue además el inicio de las peripecias de Indiana Jones, uno de los personajes más populares del cine. No hay que olvidar tampoco la banda sonora de John Williams, una de las más reconocibles de toda la Historia.

et-1“E.T. The Extraterrestrial” (1982): Se trata, sin duda, del mejor trabajo infantil del cineasta. Siguiendo la misma línea conciliadora de “Close Encounters” en lo que respecta a la presentación de alienígenas benévolos, “E.T.” empieza de manera misteriosa, ocultando a su protagonista (que queda atrapado en la Tierra luego de que su nave huye de una inesperada incursión científica), pero lo exhibe luego de manera tan abierta como generosa, gracias al uso de una serie de ‘animatronics’ (figuras robóticas) que siguen resultando efectivos a pesar del paso del tiempo. “E.T.” marcó también el descubrimiento internacional de la actriz Drew Barrymore, que tenía entonces 7 años, y que en desmedro de los problemas en los que se metió luego, terminó convertida de adulta en una verdadera estrella hollywoodense, a diferencia de lo ocurrido con Henry Thomas, quien hizo del niño principal de la historia, pero no volvió a tener nunca un éxito semejante. Pese a ser un filme para niños, “E.T”. posee varios elementos narrativos de inusitada complejidad, sobre todo en lo referente al modo en que el divorcio de una pareja afecta a los infantes protagonistas (algo que fue inspirado por las experiencias familiares del mismo Spielberg).


twilightzone_esta“Twilight Zone: The Movie”
(1983):
 Esta adaptación cinematográfica de la legendaria serie televisiva de Rod Serling se dividió en cuatro episodios basados en el programa original, y cada uno de ellos fue dirigido por un cineasta distinto (además de Spielberg, se contrató a John Landis, Joe Dante y George Miller). Aunque todos habían alcanzado ya una reputación excelsa dentro del género fantástico, Spielberg es el que soportó mejor el paso del tiempo; pero, curiosamente, el episodio del que se encargó (sobre los ancianos de un asilo que regresan literalmente a la infancia cuando cae la noche) fue el menos logrado de la película, no necesariamente por su carencia casi completa de efectos especiales, sino por su exceso de azúcar. En esos momentos, algunos críticos y fans empezaban ya a dar muestras de preocupación por la pérdida de filo del cineasta y su cada vez mayor tendencia a las historias inocentonas. A continuación, Spielberg se reunió nuevamente con Lucas para dirigir “Indiana Jones and the Temple of Doom” (1984), que fue entretenida, pero no logró reproducir los gratos delirios de la primera.

color-p“The Color Purple” (1985): Luego de la segunda cinta sobre ‘Indy’, Spielberg decidió demostrarle a sus detractores que podía crear realmente algo más serio, más apegado a la realidad y con un tono más adulto. Y lo hizo con esta adaptación de una afamada novela sobre los pesares sufridos por la comunidad afroamericana a principios del siglo XX, representados por una mujer pobre que fue interpretada por Whoopi Goldberg, en su debut en la pantalla grande. A pesar de sus grandes cuotas de sentimentalismo, el filme fue celebrado por la trascendencia de sus denuncias de abuso racial y de discriminación sexual, pero también por la actuación de Golderg, quien fuera nominada a un Oscar. En términos generales, las reacciones de la crítica resultaron positivas, aunque no faltaron los que consideraron que la representación de la comunidad negra era inexacta debido a que había sido intentada por un blanco, lo que nos hace pensar que éste fue de algún modo un precursor de “The Help”.

jurassic-park-1“Jurassic Park” (1991): Tras hacer dos películas más (“Empire of the Sun” y “Always”) que se inscribieron también de algún modo en temáticas realistas y adultas -pese que la primera tenía como protagonista a un niño, interpretado por un brillante Christian Bale (“The Dark Knight”) de 13 años- y de regresar con regular fortuna a las grandes aventuras familiares -mediante “Indiana Jones and the Last Crusade” y “Hook”, que no fueron especialmente logradas-, Spielberg volvió a dejar huella en el género fantástico con la emblemática “Jurassic Park”. Esta fue la primera cinta en la que combinó realmente el uso de ‘animatronics’ con la todavía incipiente animación digital, obteniendo unos resultados francamente sorprendentes en la recreación de las criaturas prehistóricas. Con su impresionante diseño de producción y un relato básico pero atractivo (el de un grupo de investigadores atrapados en una isla plagada de dinosaurios que han sido producidos de manera genética), “JP” fue capaz de brindar un nivel de entretenimiento pocas veces visto hasta el momento, y los críticos no dudaron en reconocer su aspecto estético revolucionario, aunque lamentaron también de algún modo la ligereza de su tratamiento narrativo, sobre todo si se tiene en cuenta que Spielberg había sido capaz de desarrollar a personajes humanos más interesantes incluso en sus proyectos menos realistas.

Schidnerl"Schindler's List" (1993): Este ambicioso e impresionante filme histórico era justamente lo que le hacía falta a la carrera de Spielberg para callar a los que lo acusaban de ser demasiado ligero o intrascendente. Inspirada por su pertenencia a la comunidad judía, la película asumió un justificado tono de seriedad para recrear la historia real de un empresario alemán (interpretado por el gran Liam Neeson) que la salvó la vida a un millar de judíos polacos durante la Segunda Guerra Mundial. Aunque casi todos sus diálogos se presentaron en inglés, el director hizo lo posible para mantener la verosimilitud en otras áreas de la producción, filmando por ejemplo en locaciones reales. A diferencia de la intensa planificación visual de sus trabajos previos, Spielberg rodó el filme de manera rápida e intencionalmente descuidada, deshaciéndose de las grúas, apelando frecuentemente a la cámara en mano y decidiendo plasmar sus imágenes en blanco y negro para mantener un tono documentalista. Con la devastadora “Schindler’s List”, el realizador recibió finalmente el reconocimiento de la industria que no había todavía logrado, ya que si bien varios de sus títulos anteriores se apropiaron de diversos premios técnicos, esta historia sobre el Holocausto se hizo acreedora a siete Oscars, incluyendo el de Mejor Película y el de Mejor Director. Para aliviar la tensión que le generó este intenso rodaje, Spielberg se abocó luego a la realización de “The Lost Word: Jurassic Park” (1997), una secuela amena pero poco memorable.

Saving"Saving Private Ryan" (1993): “Schindler's List” transcurría durante la guerra, pero no era una película ‘de guerra’; y es probable que Spielberg haya tenido clavada en el alma la necesidad de hacer una desde que filmó su primer mediometraje del género a los 16 años, como lo indicamos en la introducción de este artículo. Al tener como protagonista a Tom Hanks, era razonable que terminara cayendo en cierto tremendismo sensiblero, como el que cierra de hecho “Saving Private Ryan”; pero nadie puede negar los méritos visuales de la memorable escena de apertura de este filme, que muestra el desembarco estadounidense en Normandía con una intensidad y un derroche de ‘gore’ que sorprendieron especialmente a quienes estaban acostumbrados al Spielberg menos violento. Sea como sea, su soberbia representación visual la ha transformado en una de las secuencias más comentadas en la historia del cine, hasta el punto de que la reputada revista Empire la calificó como “la mejor escena de batalla de todos los tiempos”.

AI“A.I. Artificial Intelligence” (2000): Tenemos la impresión de que éste no es uno de los títulos de ciencia-ficción más reconocidos de Spielberg; pero a nosotros nos gustó mucho la combinación que logró entre un relato de tintes infantiles y la oscuridad intrínseca de una historia que, bajo su cubierta fantasiosa, parecía lidiar con esos problemas de abandono familiar y de pertenencia social que tanto se ven en la filmografía del realizador. “A.I.” no es una cinta para niños y tiene de hecho escenas bastante perturbadoras como la de la ‘madre’ que abandona a su ‘hijo adoptivo’ (un robot) en medio de un bosque; pero también cuenta con una maravillosa actuación de Haley Joel Osment (“The Sixth Sense”), quien no ha logrado mantener su eficacia histriónica como adulto. Algunos vieron prácticamente como una afrenta el hecho de que Spielberg hubiera retomado un proyecto que iba a ser originalmente realizado por el fallecido Stanley Kubrick, quien figura en los créditos de producción; pero el mejor modo de apreciar a “A.I” es viéndola como un apasionante encuentro entre el espíritu sombrío del genio detrás de “The Clockwork Orange” y el alma mucho más relajada del maestro que le dio vida a “E.T”.

minorityreport_600_super“Minority Report” (2002): Entusiasmado con esta vena de ciencia-ficción ‘madura’, Spielberg tomó luego a su cargo la adaptación fílmica de un relato corto de Philip K. Dick, el mismo autor que inspiró “Blade Runner”. La trama, ubicada en el año 2054, plantea una realidad compleja en la que la policía detiene a criminales antes de que cometan sus fechorías gracias a la ayuda de un grupo de psíquicos. Todo va bien en este mundo supuestamente perfecto hasta que uno de los más intachables jefes de la agencia de prevención, interpretado por Tom Cruise, es incluido en la lista de futuros delincuentes. La cinta no convenció sólo por sus posibilidades de discusión moral, sino también por el esmero que puso Spielberg en el manejo de los elementos futuristas al contar con el asesoramiento de un amplio equipo científico que le permitió incluir detalles realistas sobre lo que se vería en la época representada (y que, por el momento, se adelantó ya a la manipulación de computadoras a través del tacto que permiten por ejemplo los iPhones recientes). A pesar de los enredos en los que caía a veces la historia, la reacción general de la crítica fue enormemente positiva.

munich“Munich” (2005): En este filme, Spielberg regresó a sus raíces judías, pero no para contar otra vez una historia que, por más dura que fuera, tenía villanos evidentes (los nazis de "Schindler's List"), sino para encargarse de un asunto mucho más polémico: las actividades del servicio secreto israelí para dar con el paradero de los integrantes de un comando palestino que asesinó a un grupo de atletas judíos durante las Olimpiadas de 1972. En el transcurso de la operación, estos agentes se involucraban en acciones semejantes a las de sus enemigos y afectaban también a personas que podían ser inocentes. Por supuesto, el filme desató tanto críticas de los que lo consideraron un ataque contra Israel como de los que creyeron que no era lo suficientemente contundente en la exhibición de la venganza perpetrada; pero, en términos cinematográficos, le sirvió a Spielberg para hacer uno de los trabajos más crudos y menos concesivos de su carrera, lo que tiene que haber complacido a los verdaderos amantes del cine. Tras esto, el director regresó a los terrenos de la fantasía con la cuarta  -y para muchos innecesaria- parte de las aventuras de una de sus creaciones más famosas, “Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull”.

war-horse-movie-image-jeremy-irvine-01-600x403“The Adventures of Tintin” y ”War Horse” (2011)/”Lincoln” y "Robocalypse” (2012): Los dos primeros filmes se estrenan esta semana y los otros dos no se han hecho todavía, por lo que no podemos todavía ofrecerles comentarios sobre ellos (ya vimos “Tintin” y publicaremos la respectiva reseña este miércoles). Pero es necesario decir que Spielberg parece encontrarse en un momento especialmente prolífico de su carrera y que está muy dispuesto a mantener el eclecticismo que ha caracterizado a su obra más reciente: “Tintin” es una cinta animada de aventuras en 3D para jovencitos que se basa en un popular cómic belga; “War Horse” es un drama bélico (esta vez, sobre la Primera Guerra Mundial) que cuenta la prolongada relación entre su hombre y su caballo; “Lincoln” (que debe estrenarse a fines del 2012) retratará la lucha emprendida por ese presidente para abolir la esclavitud; y “Robocalypse” (que no tiene todavía fecha de lanzamiento) será un bienvenido retorno a la ciencia-ficción, basado en una novela reciente sobre una sociedad conformada por robots. Queda entonces mucho pan por rebanar... y mucho Spielberg por ver.